Los mejores shows en Sydney el 2 de junio

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TEATRO Consentimiento ★★★★ Seymour Center Reginald Theatre, hasta el 24 de junio

La obra Consent de Nina Raine no solo nos hace preguntas, sino que nos interroga. ¿La moralidad es innata? ¿Hay grados de violación? Si amas a alguien, ¿debes amar también sus defectos? ¿Debes experimentar el mismo incidente traumático para sentir verdadera empatía?

Anna Samson, Jennifer Rani, Anna Skellern y Jeremy Waters protagonizan Outhouse Theatre Co's Consent. Crédito: Phil Erbacher

El contrainterrogatorio, nos dice Tim, es una forma de comunicación muy dañina, y él debería saberlo: es abogado. De hecho, cinco de los siete personajes de Raine son abogados, por lo que argumentan con erudición. Una o dos veces, la voz de la dramaturga se asoma a través de los procedimientos, pero por lo demás deja que se hagan pedazos. Ser testigo de sus disputas, mentiras, manipulación, lujuria y adulterio es casi como ver un deporte sangriento, excepto que en el deporte generalmente hay alguien a quien animar. Aquí, la mayoría de los personajes no solo tienen fallas, son desagradables y están plagados de vicios, pero los observamos cautivados.

La obra se centra en dos parejas cuyas relaciones se están descomponiendo: Jake (Jeremy Waters) y Rachel (Jennifer Rani), ambos abogados, y Kitty (Anna Samson) y Edward (Nic English), que también es abogado. Tim (Sam O'Sullivan) es su infelizmente soltero colega. Zara (Anna Skellern), una amiga de Kitty, también está soltera. Finalmente, Jessica Bell interpreta a una abogada y a Gayle, una víctima de violación en un caso procesado por Tim, con Edward representando al acusado invisible.

"¿Quién es mi abogado?" Gayle le pregunta a Tim, solo para que le digan que no tiene uno. Sólo lo hace el acusado. La naturaleza contradictoria del sistema legal se encuentra entre los objetivos de Raine, al igual que el egoísmo que contamina nuestras relaciones, mientras que su ingenio apunta a la puerilidad predominante de los adultos deseosos de sexo. Los hombres, con sus corbatas delgadas y sus camisas colgando como si fueran lenguas después de otra gran noche en los turps, incluso parecen colegiales en la excepcional producción del director Craig Baldwin para Outhouse Theatre.

Outhouse Theatre Co, generalmente asociada con el nuevo trabajo estadounidense, presenta aquí el estreno australiano de esta obra ambientada en Londres del dramaturgo británico Raine. Ella nos da la degradación del espíritu humano, mezclada con humor agudo y una investigación de la naturaleza de la verdad. Los siete actores sobresalen, con Jessica Bell como una mecha encendida en la principal escena de confrontación de Gayle. El conjunto frío y reflexivo de Soham Apte permite la necesaria fluidez de tiempo y lugar, y la música de Eliza Jean Scott es tan profundamente inquietante como el hecho de que la brújula moral de todos se ha vuelto loca. Este es un teatro tenso, apasionante y sorprendentemente divertido.

Revisado por John Shand

MÚSICA Sleaford Mods ★★★★½ Opera House Teatro Joan Sutherland, 2 de junio

Dos hombres en pantalones cortos y camisetas, dispuestos a bailar y destruir.

Uno, con barba, es el responsable de los sonidos, pero ahora solo tiene que activar la computadora, lo que le permite bailar, las extremidades van de un lado a otro, como si hubiera entrado en la fiesta, lo encontró de su agrado y no se irá hasta el sol. arriba. Su nombre es Andrew Fearn.

El otro, sin barba, comienza agarrando el micrófono y una bebida (no alcohólica) en una mano, mientras que el otro ritualmente, casi de forma independiente, se sacude el costado de la cabeza y la oreja muy rapadas. Su nombre es Jason Williamson.

No pudimos evitar bailar y reírnos de Sleaford Mods como parte de Vivid Live. Crédito: Daniel Boud

Y también se mueve, como un Melbourne Sharpie de alrededor de 1974, todo codos y rodillas como pistones, emparejado con el baile loco de Madness, todo caderas y hombros cuadrados, antes de girar las manos en las caderas y echar los hombros hacia atrás con esplendor camp.

"Oh, sí, no otra banda agresiva de tipo blanco": uh-uh, Sleaford Mods se te adelantó. Excepto, no.

Ellos bailan. Bailamos. Baila al ritmo de la maquinaria steampunk, la prensa pesada que estampa láminas de metal, la sirena a través de un tubo largo y profundo. Baila al ritmo del synth pop que podría inclinarse más a menudo por el arenoso Sheffield que por el elegante Londres, pero la diferencia no es tanta cuando estás sudando.

Baila también con el sonido de la velocidad de un motociclista con un cazador de cervezas, puntuado por los ladridos y graznidos de Williamson, y Fearn revisita las seducciones de la discoteca de la muerte de Suicide mezcladas de alguna manera con la grandeza cinematográfica de John Barry.

En otras partes del torrente de sonidos estrechos se puede escuchar la exasperación y la provocación de Public Image Ltd y el taladro percutor de Nine Inch Nails, la danza vertical de Amyl and the Sniffers y las interjecciones verticales de Public Enemy's Bomb. Equipo.

No solo bailamos, también nos reímos. El salvajismo dirigido a los descaradamente venales mercaderes de dinero en efectivo y la burla de los fervientemente orgullosos de la casa ("muerte a tu bricolaje"), el disgusto por la falsa torpeza de "Boris Johnson y las chicas descaradas" y la simpatía por el verdadero torpeza de los bien intencionados.

Williamson es ingenioso, brutal y consciente de sí mismo. Y a pesar de la apariencia de alguien que bovver (o que obtiene su equipo por "cinco libras con 60, pasada la medianoche / Podría haberme cobrado el doble del precio"), también respeta y empata. Es por eso que mujeres como Florence Shaw de Dry Cleaning, Amy Taylor de Amyl and the Sniffers y Billy Nomates comparten el escenario (a través de voces muestreadas) con ellas. Al igual que Perry Farrell, por cierto.

O tal vez ellos también quieran bailar "incluso cuando tu corazón cuelga como un taburete flojo que no se cae / Incluso la amenaza de un golpe que frota los huesos no hará que te detengas". Tiene sentido cuando todos decimos: "Lo quiero todo como un pastel de crack en el bosque / Tomo drogas en mi cabeza para poder irme a la cama / Mientras golpeo las losas de este paisaje de ensueño en X".

Revisado por Bernard Zuel

MÚSICAWeyes Blood ★★★★Opera House Teatro Joan Sutherland, 1 de junio

De vez en cuando solo tienes que sentarte en la oscuridad y dejar que un artista toque tu corazón. El primero de los dos espectáculos de Weyes Blood en el Opera House para Vivid Live fue una de esas noches.

La suma sacerdotisa del melancólico pop de cámara folklórico, Weyes Blood, también conocida como Natalie Mering, combina su hermosa voz con desgarradoras canciones de desconexión y aislamiento teñidas de los años 70. La mayoría llega en ondas de exuberante sonido barroco que complementan su voz y realzan el dramatismo.

El set Vivid Live de Weyes Blood logró equilibrar momentos grandilocuentes y moderados. Crédito: Jordan Munns

Mering comenzó con It's Not Just Me, It's Everybody, la apertura de su nuevo álbum, que sirvió como preludio a la catarsis que se avecinaba. Moderada al principio, la balada de piano de ensueño evolucionó durante seis minutos y nos dejó a la deriva, pero reconfortados por la idea de que todos los demás también estaban sufriendo.

El profético A Lot's Gonna Change reforzó el tema, una canción de Titanic Rising de 2019 que tocó por última vez en Australia en marzo de 2020 cuando el mundo estaba al borde de la agitación.

Es tentador señalar las pistas de 2019 como las más destacadas. La estelar Andrómeda y la diversión Everyday, con su tenue ambiente de Beach Boys, fueron las más edificantes, y el bis de Something to Believe (la "tesis del set") y una interpretación acústica en solitario de Picture Me Better terminaron el espectáculo en lo alto. .

Pero el momento más inquietante fue el reciente sencillo God Turn Me into a Flower, donde un instrumental más escaso le dio a la voz de Mering espacio para brillar. Los cambios de acordes y crescendos salieron a la luz cuando Mering desapareció en silueta frente a un collage de imágenes del documentalista Adam Curtis. Mering, una figura fantasmal envuelta en una capa blanca, tenía a los fanáticos fascinados mientras revoloteaba por el escenario como si fuera la llama de una vela.

El set logró un buen equilibrio entre la grandilocuencia y los momentos apagados, y para todos los temas de soledad hubo una rotunda sensación de esperanza y optimismo. Si Weyes Blood era un fantasma en la Ópera, era feliz.

Weyes Blood también se presenta en el Opera House Joan Sutherland Theatre el domingo 4 de junio.

Revisado por Michael Ruffles

TEATRO The Lucky Country ★★★★½ Hayes Theatre, hasta el 17 de junio

¿Cuál es la identidad de Australia como país? ¿Quiénes son los australianos exactamente y qué representamos? En The Lucky Country, un nuevo musical de cámara con música y letra de Vidya Makan en colaboración con la directora Sonya Suares, la creación de mitos nacionales recibe un cambio muy esperado.

Milo Hartill, la escritora Vidya Makan y Karlis Zaid protagonizaron The Lucky Country de Hayes Theatre. Crédito: Philip Erbacher

Conocemos a Boy (Joseph Althouse), un niño de 13 años de Thitharr Warra que, inspirado por el orgulloso arte negro de Baker Boy, comienza a rebelarse contra las narrativas de los colonos de Australia que se enseñan en el aula. A partir de ahí, nos separamos de esas viejas historias para obtener una visión más amplia de la experiencia australiana.

A través de rápidas viñetas musicales conocemos, entre otros: un aspirante a nudista de Byron Bay, un refugiado en Mingoola cultivando un nuevo jardín; dos australianos mayores del extremo norte de Queensland que encuentran un amor inesperado en una gira de Contiki; una mujer que enfrenta los peligros de caminar sola a casa por la noche; y la propia Australia, cantando un pop sexy sobre todas las formas en que podría asesinarte. El elenco (Althouse, Makan, Dyagula, Milo Hartill, Jeffrey Liu, Kristal West y Karlis Zaid) es irresistible.

Emergiendo lentamente a través de los números, que son juguetones, ingeniosos y encantadores, coreografiados por Amy Zhang, hay una línea continua de subversión y exploración abierta. Los chistes son ingeniosos e inesperados y los escenarios, todos contenidos en hermosas y cortas canciones, son complejos. Las proyecciones (de Justin Harrison) ayudan a ubicarnos en el mundo de cada canción y, en su mayor parte, las transiciones entre canciones y los cambios tonales se mueven con gracia y encanto.

Makan es una narradora talentosa, y las canciones que ella y Suares han creado son extraordinarias. Convocan el tiempo, el lugar y la emoción en un instante al combinar melodías extraídas del pop, el rock de Oz, el hip-hop y el folk. En un momento impresionante, el músico Billy McPherson emerge con un yidaki y toca lo sublime. Heidi Maguire como directora musical mantiene fuerte el latido del corazón del espectáculo.

A medida que el programa avanza hacia su conclusión, se abre para considerar nuestra historia de guerra (desafiando la glorificación de los excavadores), apropiación cultural y responsabilidad global, antes de sondear las heridas grabadas en nuestra historia nacional por el genocidio, las generaciones robadas y el daño sistémico causado a los indígenas australianos, al tiempo que honra la resistencia, las culturas, la resiliencia y el ingenio de las primeras personas que definieron y cuidaron esta tierra.

Los dos números finales son instantáneamente inolvidables: nos recuerdan que nada en Australia es simple y que una historia nunca está completa a menos que nos incluya a todos. es notable

Revisado por Cassie Tongue

Los suscriptores del Sydney Morning Herald pueden disfrutar de entradas 2 por 1* para la exposición de los Premios Archibald, Wynne y Sulman en la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur durante junio de 2023. Haga clic aquí para obtener más detalles.

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