The Rage of Narcissus Rages On en el Theatre Passe Muraille, Toronto

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La música nos atrae hacia el espejo, al igual que Narciso se sintió atraído por la imagen reflejada de sí mismo que terminaría siendo su perdición. Es una formulación convincente y sólida, que se basa en la mitología griega en torno a una obsesión alimentada por el sexo, dotada en una habitación de hotel, no por la diosa de la venganza, Némesis, un aspecto de Afrodita, sino por la aplicación llamada Grindr. En la mitología griega, Narciso era un cazador, conocido por su belleza, y en algún lugar, en La furia de Narciso, un espectáculo unipersonal escrito por Sergio Blanco (El salto de Darwin; La matanza), el cazador se convierte en cazado, o al menos eso es lo que se supone que inicialmente nos encontraremos creyendo.

"Yo soy otro", se nos recuerda en luces de neón, mientras el espectáculo de un solo hombre comienza casualmente, con Matthew Romantini (The Boys in the Band de Ghostlight) entrando y hablándonos directamente. Nos va a contar un cuento, una narración, que mezcla realidad y ficción. Él no es la persona que está frente a nosotros, al menos no durante la mayor parte del monólogo que no lo es. Él, el actor, está a punto de transformarse en Sergio, el dramaturgo que, dentro de su conmovedor ya veces difícil texto, tejerá una autoficción en torno a una particular semana aterradora e inquietante en Toronto. Sergio, el personaje que puede (o muy probablemente no) ser el mismo que escribió el guión, ha llegado a su hotel para dar una conferencia esa misma semana en la Universidad, todo en torno a la idea de Narciso y el artista. Es una criatura bastante orgullosa, que recita sus éxitos intelectuales, bueno, como un narcisista que nos ofrece una larga lista de sus grandes logros. Es un poco distanciador, pero es una confusión entre uno mismo y el otro, y una vez que Romantini finalmente se desabrocha y se mete en el estanque reflexivo de Sergio, se adentra y deambula en torno a una formulación que es en parte una autobiografía y una ficción bastante contundente y desgarradora. Es la mitología griega con manchas de sangre y un montón de cuentos sexuales gráficos para atraer o distraer. Según tu tolerancia.

Es una dinámica un tanto convincente, y Romantini ofrece una presencia atractiva y atractiva, incluso cuando la historia es víctima de demasiados intercambios banales, grandes gestos y reflejos circulares retorcidos. Desarrollándose en un escenario diseñado por Renato Baldin (Rocking Futures del Festival Caminos), junto con el director de arte Marcelo Moura Leite con opciones de iluminación fuertes, a veces abrumadoras, de Brandon Gonçalves (Nightjan's Back and Forth The Musical) y un claro diseño de sonido de Julián Henao, el texto El thriller avanza lentamente a través de una obsesión alimentada por el sexo, salpicado de misterio y abstracciones, cortado con curiosidades intelectuales y fabricaciones.

Mirando la mitología de su homónimo, la estructuración comienza a involucrarse y superponerse a su paralelismo, al igual que las ideas del mito sobre enamorarse de su propio reflejo en un estanque de agua, mirándolo fijamente hasta que uno muere. Sin embargo, en la interpretación de Blanco, la figura central y el otro comienzan a parecer menos reales y más hipnóticamente envueltos el uno en el otro, la fantasía y la forma. Hay una mezcla y un desenfoque de líneas y límites, jugando con la idea de la realidad y la fantasía y, a veces, pesadillas delirantes extremas. El personaje de Sergio está enamorado, obsesionado con la conexión de Grindr absolutamente guapo y sexy que tiene lugar esa primera tarde, y aunque intenta rechazar las insinuaciones sexuales, parece que no puede sacudirse las imágenes hipersexuales y los impulsos que lo rodean y envuelven. él a medida que transcurre la semana. Pero el desenfoque compromete la situación, y nos quedamos dando vueltas en el erotismo y preguntándonos si realmente es solo un reflejo de una necesidad, previendo el resultado obvio, que comienza a formarse como manchas de sangre en la alfombra y las paredes. ¿O es una sentencia de muerte esperando ser pronunciada por uno mismo cumpliendo la profecía?

Jugando con un burlón sentido de urgencia del director Marcio Beauclair (Productor, Director/Adaptación), The Rage of Narcissus encuentra el terror compartido en su desmembramiento, insinuando la oscuridad mientras juega con el desorden que corta con una poesía horrible y altamente sexualizada. Esta formulación es súper inteligente y enredadora, juega con la verdad y la ficción de una manera que nos engaña para que no veamos la autoficción mientras se desarrolla. Es inquietante en su crudeza y narcisismo manifiesto, sin embargo, quedamos atrapados en el desmoronamiento y la hipertensión del momento. Se adentra en el misterio y nos hace olvidar nuestro sentido del lugar y del tiempo. Nos engaña con su visión de su propio sentido sexual de sí mismo, el personaje y la historia. Nos aleja, en algunos puntos, arrullándonos para que no nos importe, pero luego nos obliga a regresar, jugando con el cuento dentro de otro, y envolviéndose en cambios de luz y oscuridad que nos hacen ver la distorsión en lugar del verdadero reflejo. Refleja una visión, una que tal vez no disfrutemos ver por completo, pero entrega los bienes de manera dramática, casi traumática, enviándote a las calles preguntándote y pensando en la mitología griega y el mundo narcisista en el que vivimos. Tómalo como una advertencia. , una historia desmembrada de verdad y empacada en una bolsa de lona lista para enseñar a través del contraejemplo.

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The Sound Of Music celebra la noche de apertura en el Teatro John W. Engeman

The Sound Inside cautiva en el Coal Mine Theatre de Toronto

Mi amor por el teatro comenzó cuando me involucré por primera vez en obras de teatro de secundaria y teatro infantil en London, Ontario, lo que me llevó, para disgusto de mi madre, a estudiar escenografía, dirección y administración de artes en la Universidad de York en Toronto. Pero en lugar de dedicarme al teatro como carrera (produje y diseñé un poco), me convertí en un adicto al teatro autoproclamado y partidario de toda la vida. No soy un escritor de oficio, pero espero compartir mis puntos de vista y sentimientos sobre esta increíble experiencia que tenemos la suerte de poder ver aquí en Nueva York, y en mis muchos viajes a Londres, Inglaterra, Chicago, Toronto, Washington, y más allá. Viviendo en Londres, Inglaterra, de 1985 a 1986, en la ciudad de Nueva York desde 1994, y en mis numerosos viajes obsesivos teatrales a Inglaterra, he visto todo el teatro que me puedo permitir. Me encanta ver obras de teatro. Me encanta ver musicales. Si tuviera que elegir entre una canción o un baile, siempre elegiría la canción. La danza, especialmente el ballet, es bonita y todo eso, pero no me emociona como, digamos, las letras de Sondheim. Pero dicho esto, ¡el baile en West Side Story es increíble! Como parece que a todos les encanta una buena lista, aquí hay dos. MUSICALES FAVORITOS (sin ningún orden en particular): Sweeney Todd con Patti Lupone y Michael Cerveris en 2005. De lejos, Mi experiencia teatral favorita hasta la fecha. Domingo en el parque con George con Jenna Russell (quien me hizo llorar histéricamente todas y cada una de las tres veces que vi esa producción en Inglaterra y aquí en Nueva York) en 2008 Spring Awakening con Jonathan Groff y Lea Michele en 2007 Hedwig and the Angry Inch (tanto fuera de Boadway en 1998 como en Broadway en 2014, con Neal Patrick Harris, pero también con Michael C. Hall y John Cameron Mitchell, mi primera Hedwig y la última... hasta ahora), Next To Normal con Alice Ripley (a quien desearía haber visto en Side Show) en 2009 OBRAS FAVORITAS (eso es más difícil, ha habido tantas y todas son tan diferentes): Angels in American, tanto en Broadway como fuera de ella. Lettice y Lovage con Dame Maggie Smith y Margaret Tyzack en 1987 Quién teme a Virginai Woolf con Tracy Letts y Amy Morton en 2012 Casi todo de Alan Ayckbourn, pero especialmente Woman in Mind con Julia McKenzie en 1986 Y para completar las cinco, tal vez Proof con Mary Louise Parker en 2000. Pero pregúnteme en otro día, y puede que le dé una lista diferente. Estos son solo diez momentos teatrales que recordaré en los años venideros, hasta que ya no tenga memoria. Hay muchos más que no recordaba o no podía recordar, y espero que vengan muchos más. Gracias por leer. Y recuerda: lee, dale me gusta, comparte, retuitea, disfruta. Para obtener más información, visita frontmezzjunkies.com

El alquiler de Stratford se dispara con Scrappy Energy and Talent

Spamalot de Monty Python encuentra su Grial hilarantemente en el Festival de Stratford 2023

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Todo es "gloria, del líder del niño bonito" desgarrador, ya que Stratford Festival da vida magnéticamente a la épica Rent, el musical de rock que corta la ópera La Bohème de Puccini de 1896 con la profunda emotiva saga de un grupo de jóvenes artistas hambrientos que luchan contra todas las posibilidades de sobrevivir y crear en el East Village de Nueva York. Son los emocionantes días oscuros y tormentosos de la bohemia en Alphabet City, palpitando sin aliento bajo la sombra del VIH/SIDA, con música, letras y libros impresionantes del magnético y fallecido Jonathan Larson. La historia es sólida y fuerte con una emotividad cautivadora, profundizando en el amor y la pérdida de la manera más enérgica posible bajo la atenta mirada de las ventanas iluminadas de los apartamentos sedientas de más. Está llena de emoción, esta producción me lleva de vuelta a ese momento emocionante en mi historia teatral cuando vi por primera vez el musical en los avances en Broadway en 1996 después de que se transfirió del New York Theatre Workshop con gran éxito.

Yo era un joven gay de 32 años que vivía y luchaba con la vida en el East Village de la ciudad de Nueva York. Y conocía bien la angustia y la euforia. La creación de Rent tiene una historia bien conocida ahora, gracias a los numerosos documentales que trazan su nacimiento, así como a la majestuosa filmación de "tick, tick...BOOM!" de Larson. eso nos da un fuerte sentido de todo lo que tuvo que pasar para llevar esta ópera rock al escenario. Rent es algo así como una obra autobiográfica, ya que Larson vivió y respiró muchos de los elementos que se convirtieron en parte de los detalles de su espectáculo. Vivía en Nueva York empujando fuerte y deliberadamente como un artista hambriento con una meta y un sueño. Compartió muchas de las mismas esperanzas y temores que los personajes épicos que se hicieron querer en Rent, luchando día a día con algunas de las mismas malas condiciones de vida, como la estufa de leña ilegal en el medio de su apartamento, una bañera en el centro para sentarse. su cocina, un timbre roto en la puerta que obligó a sus invitados a llamar desde el teléfono público al otro lado de la calle. Estos fragmentos de autenticidad se abrieron paso en el musical creando una pieza que respira con un aire de honestidad, y Stratford, de maneras que no puedo precisar, ha desenterrado esa misma calidad, energía y conexión. Se siente rudimentario pero tan sólidamente producido e interpretado por un fuerte elenco de cantantes y actores que le brindan la combinación correcta de un toque juvenil y una fuerte devoción ardiente por la historia en cuestión. Bajo la dirección de Thom Allison (Into the Woods de Stratford; Priscilla, Queen of the Desert de Broadway), Rent sorprendentemente hace lo imposible. Encuentra su camino, brindándote la energía desesperada de un artista joven, mezclada con voces que se elevan con el material y el corazón emocional de una comunidad solidaria y complicada que lucha y ama por igual. Al igual que el primer lote de actores/cantantes que vi cuando Rent abrió por primera vez en Broadway en el Nederlander Theatre en 1996.

El elenco es una unidad a tener en cuenta, atrayéndote a cada una de sus batallas personales, algunas con más éxito que otras, pero ninguna deja de participar, especialmente cuando comienzan a cantar todas y cada una de las canciones diabólicamente buenas de Larson. En Broadway, Rent fue celebrada, ganando popularidad impulsada por críticas entusiastas y ganando varios premios, incluido el Premio Pulitzer de Drama y el Premio Tony al Mejor Musical. Stratford ha abordado milagrosamente esta pieza muy querida, haciéndola propia en ese escenario del Festival Theatre. Diseñado con un ojo impecable para la energía y el filo de Brandon Kleiman (Musical Stage/Canadian Stage's Blackout), con una excelente iluminación de Michael Walton (Stratford's Chicago), proyecciones de Corwin Ferguson (Shaw's Brigadoon) y sonido de Joshua D. Reid (Broadway's Un cuento de Navidad), el miedo no se apodera aquí, ya que ellos, con la fuerte ayuda del director musical, Franklin Brasz (Billy Elliot de Mirvish), profundizan, desarrollando el drama sin perder nunca el rastro de su alma humana.

Guíanos, Robert Markus (Tommy de Stratford; Dear Evan Hansen de Mirvish) nos lleva magníficamente a la bohemia como el solitario suplente de Larson, Mark Cohen, el videógrafo que intenta desesperadamente crear un sentido de comunidad con sus compañeros artistas y amigos. . Su energía es exigente y dinámica, al igual que el cautivador Kolton Stewart (Macbeth de Stratford; "Desencantado" de Disney) como el músico sexy y torturado, Roger Davis, que lucha con un montón de traumas personales propios. La voz de Stewart se eleva, llenando los espacios con un dolor y desesperación absolutos de una manera muy hermosa, encontrando tanto dolor y tristeza en sus canciones como lo hace Andrea Macasaet (Broadway's Six) en su interpretación poderosamente cruda del emocionante y maravilloso desastre que es Mimi Márquez. El peligro y la fragilidad que aporta al papel son tan eléctricos y emocionantes como las representaciones de Erica Peck (The Rocky Horror Show de Stratford) y Olivia Sinclair-Brisband (Shaw's Damn Yankees) de los apasionados amantes en disputa, Maureen Johnson y Joanne Jefferson. Es polvo explosivo, esperando ser encendido, lleno de amor, miedo y fuego. Ambos, y todos realmente, están listos para volar sobre la luna o encender y volar a todos con su poder y pasión. Tómame o déjame (y créeme, estarás tomando con placer; cada onza ofrecida).

Todos y cada uno de estos actores, vestidos sólidamente y con reminiscencias de Broadway por Ming Wong (Alicia en el país de las maravillas de Bad Hats), encuentran su espacio y su furia, capturándonos en su potencia vocal mientras nos transportan a ese lugar tan especial que anhelamos. . Pero el verdadero corazón palpitante del musical vive y respira en el personaje desesperadamente bien escrito, Angel Dumott Schunard, interpretado ágil y perfectamente por Nestor Lozano Jr. (Globe's Shrek The Musical), y el amor que se comparte con el cautivador Tom Collins, encarnado por el hombre con esa voz, Lee Siegel (Paradise Square de Broadway), que nos pone la piel de gallina de deleite y desesperación cuando la riqueza de la voz y el corazón se alinean y desatan. Es en su apego que la esencia de este musical saca lágrimas y temblores de amor y devoción, y por eso, somos verdaderamente bendecidos.

El musical, incluso cuando despliega tonos operísticos casi melodramáticos en abundancia, encuentra una manera de trascender todo eso y diseñar una conexión que registra, gracias a la coreografía combustible de Marc Kimelman (The Rev's State Fair), quien brinda empoderamiento y enojo en el unificador naturaleza del movimiento. Eché de menos la dinámica realzada de la larga mesa del Life Cafe, dando paso a la energía de "La Vie Bohème" y la alegría, la representación épica y el amor inclusivo que hay dentro. El cuadrado, de alguna manera, realmente no hizo el truco que se necesitaba, pero ese espacio cuadrado elevado funcionó muchas veces como un ring de boxeo improvisado para las batallas entre, por ejemplo, la poderosa Maureen de Peck y la feroz Joanne de Sinclair-Brisbane.

También hizo su magia cuando Roger de Stewart y Mark de Markus prendieron fuego a su frustración durante la magnífica "What You Own" y se unieron a los demás para el huracán emocional que es "Goodbye Love". Esa canción me parte el corazón en dos para siempre, como también lo hace cada vez que escucho "Without You" de Mimi y Roger y "I'll Cover You" de Angel y Tom, que produce lágrimas. La tensión y la energía son palpables, entregadas con una cualidad juvenil que da paso a la desesperación y la electricidad, incluso si el lenguaje corporal de Stewart tiende a ejercerse en solo unas pocas temperaturas y formas. Una crítica menor, en un grupo de actuaciones impresionantes.

El musical sigue siendo fuerte y poderosamente conmovedor. Pero es el siempre magnífico y emotivo "Seasons of Love", con el trabajo excepcionalmente bueno de los solistas; Masini McDermott y Matthew Joseph, que, una vez más, me llenan por completo, devolviéndome a la época en que este joven adicto al teatro se encontró desbordado en lágrimas en el balcón del Nederlander Theatre de Broadway. Fue un momento de conexión que nunca olvidaré, y esta revitalización de Stratford ha hecho lo imposible, con amor, llevándome de vuelta a ese lugar y esa época. Sosteniendo mi mano y permitiéndome llorar una vez más por la belleza salvaje de Rent, su brillo total, por la pérdida de su creador, y todos los demás que murieron de SIDA que yo conocía (o no conocía). Siendo un hombre gay mayor que vivió muchos de sus primeros años en el East Village, que asistió tal vez a más funerales entre los veinte y los treinta años que a los almuerzos dominicales en el Life Café, Larson creó una pieza que fomentó una cultura artística fuerte y rudimentaria que vivió y respiró en su "Gloria de una sola canción". Y dentro de esas paredes de teatro de Stratford y en ese escenario vive un espacio donde su musical prospera. Lamentablemente, Larson no vivió para ver la noche de estreno en este teatro del centro de la ciudad. Larson murió repentinamente a la edad de 35 años de un aneurisma aórtico la noche anterior al primer avance de Rent, pero el musical de rock sigue vivo, alimentado por la misma pasión que lo creó, dando forma a una generación con su gloria espectacular (ganadora de premios); una generación que me incluye como uno de sus fervientes seguidores. Y no podría estar más feliz de haberlo experimentado todo de nuevo en el Festival de Stratford.

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"Always look on the bright side of life", eso es lo que nos cantan, con tanto entusiasmo a todos nosotros, con movimientos automáticos de la cabeza de un lado feliz al otro al unísono, y dentro de la magnífica producción del Stratford Festival de Monty Python's Spamalot, hay realmente no hay otra manera de ir. Es deliciosamente divertido y completamente ridículo, como debería ser en última instancia cualquier compromiso de Monty Python, con actuaciones cómicas estelares que cabalgan deliciosamente con el sonido de las cáscaras de coco chocando con determinación por parte de los que siguen. En cuestión de segundos, después de nuestro sorprendente viaje a Finlandia, todas las dudas desaparecen por completo gracias a la hábil hilaridad de todos los involucrados. Dirigida a propósito con un enfoque nítido e inteligente por Lezlie Wade (Jesucristo superestrella de La Jolla/Broadway), la búsqueda de la alegría extrema es "estable y listo" dentro del Teatro Avon en Stratford, Ontario, ya que se logra de todo corazón en cada frase. . Y eso es algo sobre lo que nadie "dudará de Dennis" discutirá.

De izquierda a derecha: Aidan DeSalaiz, Liam Tobin, Jonathan Goad, Eddie Glen, Aaron Krohn y Josh Doig en Monty Python's Spamalot. Festival de Stratford 2023. Foto de David Hou.

Extraído hábilmente de la película "Monty Python and the Holy Grail", esta puesta en escena asombrosamente divertida del musical de Broadway que en 2005 recibió 14 nominaciones a los premios Tony y ganó en tres categorías, incluida la de Mejor Musical, encuentra su grial una y otra vez. , entregando broma tras broma tonta con una experiencia que es dorada y sagrada. Con una partitura de John Du Prez y Eric Idle, y letra y libreto de Idle, esta magnífica parodia de proporciones épicas es completamente entretenida y sin parar irreverente, en la mejor de las formas posibles. Jugando a la parodia de la leyenda artúrica, Spamalot se conduce siguiendo las instrucciones del Historiador, interpretado a la perfección por Henry Firmston (Stratford's Chicago). Se trata de la historia del Rey Arturo, hilarantemente bien retratado por Jonathan Goad (To Kill a Mockingbird de Stratford) y Patsy, su confiable mano derecha que maneja el sonido de un coco, encarnado maravillosamente por Eddie Glen (The 39 Steps de MTC), por su lado. Están en una expedición, buscando y tratando de reclutar un ejército de caballeros para servirlo y seguirlo. Eso es una vez que tenemos nuestra configuración de ubicación en orden.

Ahora que nos encontramos (correctamente) en la lúgubre y oscura Inglaterra, con monjes penitentes golpeándose la cabeza al ritmo de algún tambor, el Rey Arturo se abre camino delante de nosotros con su sonidista de confianza detrás de él, imitándolo a la perfección. ¿Cómo sabemos que es el Rey? Bueno, "él no tiene una mierda encima de él" es la mejor respuesta que uno podría tener, mientras los dos van de puerta en puerta tratando de formar una compañía de caballeros para sentarse en la mesa redonda en Camelot (y debo agregar, después de ver el renacimiento más reciente de Camelot en el Lincoln Center Theatre hace unos meses, este es el que más me gustaría pasar el rato, con creces). Y como dicen, lo que pasa en Camelot, se queda en Camelot.

Lento pero seguro, reúnen a esta banda de hombres alegres y ridículos; Sir Robin, retratado con canciones y bailes en su corazón por Trevor Patt (Jersey Boys de TIP); Sir Lancelot, interpretado tremendamente (y violentamente) bien por Aaron Krohn (The Lehman Trilogy de Broadway); Sir Bedevere, retratado enjauladamente con júbilo por Aidan DeSalaiz (Into the Woods de Winter Garden); y Sir Dennis Galahad, bellamente encarnado por el bellamente peinado (y muy divertido) Liam Tobin (The Book of Mormon de Broadway). Incluso si su madre políticamente radical, la Sra. Galahad (DeSalaiz) está en contra desde el principio. Ella afirma, muy sabiamente, que todos deben negar a cualquier rey que no haya sido elegido por el pueblo y, por lo tanto, Arturo no tiene derecho legítimo a gobernarlos. Bien dicho. Pero en realidad no importa al final. Solo pregúntale a Lady in the Lake, interpretada magníficamente por la tan talentosa Jennifer Rider-Shaw (Stratford's Chicago). Ella tiene otro plan flotando dentro de ella.

Sir Robin y Sir Lancelot necesitan navegar por Not Dead Yet Fred (Firmston) y su animado y desenfrenado número, "He Is Not Dead Yet". Gloriosamente grande. Pero es Sir Galahad (y su madre) quien debe ser convencido por los poderosos encantos y la voz de la Dama del Lago, quien debe demostrarles que la historia de Excalibur es real y verdadera. Animada por "Laker Girls Cheer", convierte a Dennis en el apuesto Sir Galahad y juntos cantan la canción de amor de Broadway más genérica (y maravillosamente larga), "The Song That Goes Like This", completa con una lámpara de araña que cae. y paseo en bote pantanoso para ganar el día. Con una gran sacudida de sus mechones, felizmente se une a Sir Robin y Sir Lancelot, y junto con el cauteloso Sir Bedevere y el "bien llamado" Sir que no aparece en este espectáculo (Knuckle), todos partieron hacia Camelot y la búsqueda aventurera que los lleva a través de este ridículamente divertido espectáculo lleno de parodias.

Si no son algunos centinelas que debaten si se necesitan o no una o dos golondrinas para llevar con éxito un coco a esta tierra no tropical, o si unos pocos soldados franceses lascivos se burlan de ellos en lo alto de una pared que incluso un conejo vacío no puede. Como remedio, son unas monjas que cantan y vuelan y unos monjes que bailan la mamba que siguen repartiendo risas una y otra vez. Es brillantemente divertido y magníficamente coreografiado, gracias al trabajo de Jesse Robb (Ogunquit's Ragtime) y al conjunto fabulosamente talentoso. Da y da en abundancia, como Rider-Shaw que sigue reapareciendo para recordarnos toda su gloria. "¿Qué pasó con mi parte?" es la pregunta que hace, y no podría estar más de acuerdo porque cada vez que sube a ese escenario, ilumina el momento con su ingenio y su voz (Aparte, tuve la suerte de estar en la audiencia de Broadway para el primer espectáculo después de los Premios Tony 2005 y se unió a la ovación de pie para Sara Ramírez, quien solo dos noches antes había ganado el Premio Tony por su interpretación de la Dama del Lago. Fue un momento glorioso, uno que no olvidaré).

Esta mentalidad de "Todos para uno" triunfa en un escenario perfectamente construido por el diseñador David Boechler (Stratford's Chicago) con una sólida iluminación de Renée Brode (Stratford's Patience), proyecciones puntuales de Sean Nieuwenhuis (Broadway's Dr. Zhivago) y un sonido exigente. por emily c. Porter (Mujercitas de Stratford). Cambia, baraja y presenta arbustos encontrados con dinamismo en todo momento con algunos números magníficamente divertidos y entretenidos, hábilmente presentados por la directora musical Laura Burton (Stratford's You Can't Stop the Beat), que suenan y cantan con precisión exacta. Hay algunas esperanzas de Broadway que se basan en encontrar algunos detalles, pero una de las partes más divertidas gira en torno a Sir Lancelot, quien recibe una carta punzante de lo que él supone que es una joven damisela en apuros. Pero resulta que, en realidad, es un joven afeminado llamado Príncipe Herbert, maravillosamente interpretado por Josh Doig (Theatre Aquarius' Hairspray) cuyo brutal padre, el Rey del Castillo Pantano (Tobin), lo está obligando a un matrimonio arreglado. Y, aún más horrible, se niega a dejar que el niño cante y baile al contenido de su corazón.

Como haría cualquier gran caballero, Lancelot salva al joven y luego pronuncia un sincero discurso sobre honrar la gentil sensibilidad de su hijo. A cambio, Lancelot es declarado homosexual, naturalmente, y el elenco gira hacia adelante en un gran número de baile disco salvaje en celebración y aceptación de todo, y la diversión que estamos teniendo. "His Name Is Lancelot" es el himno del programa del Mes del Orgullo, y dejando a un lado al conejo asesino controlado por marionetas, este número, ySpamalot de los Monty Python en su conjunto, juega orgulloso e hilarante hasta el final, gracias a sus raíces ridículas y su perfecta ubicación. Después de reflexionar sobre la última pista de piedra, con Arthur admitiendo que todos están "un poco perplejos", Dios lo señala todo, recompensando al poseedor con un pequeño trofeo y una foto Polaroid. Finalmente se encuentra el grial y la mamba matrimonial puede comenzar. Todos nos levantamos para celebrar y nos unimos a la bienvenida repetición de la gloriosa "Mira siempre el lado positivo de la vida" sintiéndonos completamente entretenidos, rebosantes de alegría y vacíos de toda risa que uno pudiera haber tenido dentro de su cabeza feliz.

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"Huele a mortalidad", este Rey Lear, mientras la policía de Stratford nos hace desfilar con tambores y gaitas en la noche inaugural del Festival de Stratford en la hermosa Stratford, Ontario. Debo admitir libremente que estaba emocionado. Ser invitado a todas las inauguraciones de este Festival de renombre mundial es un sueño, y no podría estar más agradecido. Sin embargo, tampoco pude evitar contemplar ese momento en 2018, cuando, después de ver King Lear de The Royal Shakespeare Company en BAM, me sorprendí al pensar que no estaba muy seguro de querer ver otra película de Lear por algún tiempo. No me malinterpretes. Me encanta la obra, con todas sus ricas divisiones que se desarrollan en torno al amor, la ceguera, la cordura y un cierto tipo de locura que yace esperando en lo más profundo de la aguda iluminación de la oscuridad y el ego. Sin embargo, esta contemplación de Shakespeare escrita con todas las complejidades del amor, el deber y el engaño entremezcladas no es mi favorita del grupo (honestamente, creo que podría ser Macbeth). Pero ciertamente no es mi menos favorecido tampoco.

Sin embargo, después de ver esa producción de RSC en BAM, protagonizada por el incomparable Sir Antony Sher, observé con asombro cómo se arrastraba hacia adelante como una vieja reliquia de Cleopatra, extendiéndose lenta y ceremoniosamente de una manera que me hizo encorvarme en mi asiento deseando cama. Ese rey nunca se comprometió emocionalmente por completo, incluso con el duro trabajo de Sher, uno de los actores clásicos más estimados de Gran Bretaña, dándolo todo. Afirmó de manera apasionante en el programa que una vez que interpretas a Lear, realmente "no hay otro lugar a donde ir, en cuanto a Shakespeare". La parte es una escalada solitaria virtuosa; una batalla contra el tiempo y la importancia; un "gritar a, discutir con, una tormenta". ¿Y qué podría ser mejor que eso? Es el último duelo humano con la fuerza de la naturaleza y la existencia, crepitando con relámpagos y furia (como debe ser). Así que no es de extrañar que me encontrara, una vez más, lista y dispuesta a comprometerme con este texto y el trauma que está en el corazón de esta ruptura familiar.

Mis dedos estaban cruzados, mientras las trompetas nos señalaban a todos a nuestros asientos. Nos señalaron con mucha impaciencia, llevándonos a la dinámica y expansiva temporada 2023 del Festival de Stratford con aplomo ceremonial, y no podría estar más feliz. Esta fue la primera apertura de la temporada, y la energía del evento fue eléctrica, tal como lo fue en esos primeros momentos de este Rey Lear, con Gloucester, interpretado cautivadoramente por Anthony Santiago (Citadel's Of Mice and Men), hablando incómodo a esos hombres cercanos sobre mujeres y sexo; así como la legitimidad y la ilegitimidad, en términos tan degradantes como insensibles. No pude evitar retorcerme dentro de la sordera de su discurso, especialmente cuando se jacta de todo frente a su hijo "bastardo", Edmund, interpretado antiheroicamente por el maravillosamente encantador y talentoso Michael Blake (Topdog/Underdog de Arts Club). ). No es de extrañar que Edmund se haya convertido en el hombre que demuestra ser; a su padre ya su medio hermano, Edger, interpretado conmovedoramente por André Sills (Coriolanus de Stratford).

Con total y diligente determinación, este épico "arrastre hacia la muerte" se adentra en el rígido escenario amurallado con claridad y el amor del texto de Shakespeare. Diseñado con líneas únicas y convincentes y límites iluminados por Judith Bowden (Shaw's Desire Under the Elms), el impacto de esa primera escena se registra innegablemente fuerte, brillantemente iluminado por nítidos fragmentos de luz diseñados de manera más impresionante por Chris Malkowski (Shaw's Chitra). Le da estructura y significado a las líneas geométricas del espacio y el poder, sin permitirnos desconectarnos nunca de la cordura y la locura de la forma y la caída de principio a fin. Realmente es una imagen brillantemente construida, que no coincide exactamente con los personajes que la componen.

Encerrado en ese marco, este Rey Lear está determinado, principalmente por la elección de Paul Gross ("Slings and Arrows"; Stratford's Hamlet) en el papel principal. Entra fuerte y vital, poderoso y emocionalmente cortado hasta los huesos. No parece un hombre dispuesto a renunciar a su trono, sin embargo, por alguna razón, ha tomado esta decisión inoportuna, y no pude evitar inclinarme a preguntarme cómo se desarrollará esto. Esta se convierte en la pregunta de la noche. ¿Cómo se desarrollará este Lear, dando claridad y profundización a su intempestiva razón de partida y dependencia? ¿Nos dejará entrar para ver el "¿Por qué ahora?" que está en el corazón de su Rey? Con una impresionante cabeza de cabello largo y blanco, Gross encuentra un compromiso dentro del texto que entrega expresivamente, pero tal vez sin encontrar la respuesta del todo. Es inteligente y de mente clara, sin embargo, al menos al principio, no emite un aire de ser "viejo antes de tiempo". Sin embargo, está allí, lentamente, y con un pulso tenso y palpitante y una opresión en el pecho. Vive en algún lugar del corazón adolorido; la idea de que este hombre sabe un par de cosas sobre la mortalidad y la enfermedad, ya sea consciente o no, y necesita algo (o alguien) más para ayudarlo a manejar, afianzarse, sin perder su forma real y sin tener que preguntar para ello directamente. El orgullo es una formulación que no le sirve bien a este Rey, y la arrogancia. que todos sabemos

El marco histórico del regreso de Gross a Stratford es de celebración y emoción. Y estuve totalmente allí desde el momento en que leí sobre su casting. La construcción parece sublime y oportuna, ya que Gross interpretó a Hamlet en este mismo escenario en el año 2000. Esa apariencia imitaba uno de mis programas de televisión favoritos de todos los tiempos, el canadiense "Slings and Arrows". La serie desenterró una fascinación y una comprensión de los tres papeles poderosos para un actor: Hamlet, Macbeth y, más importante, el Rey Lear (habría dicho 'actor masculino', pero espero que la especificidad de género esté retrocediendo un poco, especialmente después de ver a Glenda Jackson darnos un Lear para recordar). El programa de televisión disfrutó durante tres temporadas la idea de explorar las tres etapas del hombre, una por temporada. (Si no ha visto esta mirada brillante y divertida sobre el arte y el comercio dentro del mundo de los festivales de verano de Shakespeare, encuéntrela de inmediato y profundice). Romeo y Hamlet marcan el comienzo del compromiso, Macbeth aborda la mediana edad con un conflicto urgencia, y King Lear, uno de los mejores papeles para un actor mayor, desata la locura en el gran final. Parece que Gross ha decidido saltarse la obra escocesa y correr de cabeza hacia la tormenta que es el Rey Lear. Por eso, estoy intrigado. No pude evitar preguntarme qué nos tiene reservado después de todos estos años.

Dirigida por Kimberley Rampersad (Shaw's Man y Superman), la obra de alguna manera no encuentra su camino hacia el núcleo emocional, pareciendo incómoda y sorprendentemente tradicional en su desentrañamiento del drama inherente. Tiene algo de gracia intelectual y una gran cantidad de humor encontrado en su entrega, pero de alguna manera se presenta como una tormenta controlada sin una visión feroz única y clara. A través de su arco épico de realización frente a la traición, esta producción de alguna manera lucha por aclararse a sí misma, intentando dar un significado más oscuro a la arrogancia y el narcisismo ciegos y necesitados, pero sin llegar a desentrañar realmente su verdadera ideología personal. Se interpreta de manera tan sencilla con una claridad directa del lenguaje, hilando el hilo tradicional con gracia, pero me preguntaba dónde se encuentra la verdadera visión subyacente de esta producción. ¿O está deambulando ciegamente por el páramo sin una mano fuerte que lo guíe? Quería un punto de vista convincente que nos guiara a través de la conocida tormenta salvaje de Lear y hacia algo nuevo y emocionante, que coincidiera con la inventiva salvaje del escenario y su iluminación estructural. Sin embargo, se siente plano y formulado, incluso en su fina narración estandarizada. No me malinterpreten, en su mayor parte, se desarrolló con un homenaje textual que revela bien el lento declive mental de Lear, incluso dentro del cuerpo de apariencia juvenil del anciano. Pero quería una comprensión contextual que no fuera tan obvia y presentada. Algo que hizo estoLearcrepitar como la tormenta que se avecina.

El símbolo más fuerte de su desafortunada ruina es el impacto visual de la tormenta. Hace años, cuando era adolescente, vi una producción de King Lear que ayudó a solidificarla como una de mis tragedias favoritas de Shakespeare. Protagonizó a Peter Ustinov de pie en el centro del escenario en el mismo Festival Theatre (1980, dirigido por Robin Phillips), con una lluvia torrencial y una tormenta de viento azotándolo desde todas las direcciones, casi destrozándolo. Fue un momento poderoso que se quedó conmigo, pero en ninguna parte de esta producción actual tuve la sensación de que el Lear de Gross podría volar en pedazos. La 'lluvia' cayó sobre él, constante y recta, humedeciendo su cabello y su espíritu, pero no había peligro en ello. Sin viento. Sin rachas incontrolables. Solo un flujo constante de 'lluvia' que caía en un pequeño charco de luz controlado. Aquí no hay nada que temer, pensé.

Se ha dicho que Lear es algo así como una paradoja. Es conocido por sus batallas salvajes y ventosas contra la tormenta de la demencia, pero al comienzo de esta historia, se siente técnicamente cuerdo, luciendo fuerte y centrado en su insolencia orgullosa pero narcisista, aunque está claro que la postura es muy equivocada. Tal como lo retrata el convincente Gross, su arrogancia casi juvenil se hizo realidad, fortalecida por un absurdo deseo de escuchar solo elogios y niveles de amor que no tienen sentido. Sus dos "hijas pelícano" mayores, interpretadas por la severa Shannon Taylor (Tío Vanya de Crow) como Goneril, y Déjah Dixon-Green (Grand's The Penelopiad) como la violenta Regan secundaria, dispuestas a jugar el juego insincero, colmándolo de manera mensurable con la adoración que raya en lo ridículo. Pero Lear no escucha esa cualidad, solo registra las veneraciones engañosas exageradas y clava sus talones con deleite. Las hermanas mayores entienden la orgullosa necesidad de idolatría de su padre y lo alaban con palabras que en realidad son demasiado grandiosas y bastante tontas en idea y tema. Están de pie, sin ninguna claridad de trasfondo (algo que culpo a la nueva obra interesante, Queen Goneril después de verla en Soulpepper. Ahora siempre buscaré pistas y miradas laterales sobre la problemática historia familiar, el trauma y los razonamientos de estos dos crueldad despiadada de las hermanas mayores. Pero no iba a entender eso aquí, ya que el subtexto no estaba disponible para ser visto). Están embellecidos con trajes detallados diseñados de manera confusa por Michelle Bohn (A Four Letter Word de CSC) que inicialmente parecen un tanto atrevidos y clásicos simbólicamente, pero se despliegan y comienzan a sentirse un tanto extraños, desordenados y desenfocados, provocando al menos una risa. de la audiencia debido a una 'cosa divertida que sucedió en el camino al foro' vestido amarillo. Simplemente no podía entender las elecciones hechas en los atuendos de esas hermanas, al igual que no podía comprender algunas de sus respuestas demasiado melodramáticas.

De pie en el fondo, luchando a su manera, está la hija favorita, Cordelia, la más joven y de mente más clara, interpretada de manera un tanto plana y suave por Tara Sky (Soulpepper/Native Earth's Where The Blood Mixes), quien decididamente no logra jugar a la altura de la arrogancia y las necesidades desesperadas de su padre, el Rey. Es un acto de valentía, en cierto modo, creer que su padre verá, sentirá y conocerá su amor incuestionable, pero ella no lo es, encontrándose desechada, desechada, traicionada de la manera más cruel por su honestidad y franqueza. Las mareas de alegría se vuelven oscuras, como nubes blancas y esponjosas que rápidamente se oscurecen y se vuelven siniestras con el cambio del viento. La demencia y la locura comienzan a aparecer, y vemos cómo esa semilla se afianza y tuerce la forma y el rostro del Rey en algo bastante aterrador, y luego triste y abatido. El momento en realidad no resuena del todo, pero mientras ella se va a Francia, nos preguntamos qué acaba de pasar y por qué nunca se sintió realmente desgarrador.

El Conde de Kent, interpretado con un tono de voz y un carácter indeterminados por David W. Keeley (Coriolanus de Stratford), intenta enfrentarse al Rey, defendiendo la declaración pública de amor de Cordelia por su padre, pero sin éxito. Él, como ella, no se escucha a través de las obstinadas barreras que encierran a este Rey. Él y Cordelia son castigados y expulsados, y las dos ansiosas hijas mayores toman el control del reino, ganando poder sobre todos, incluido su padre. No puedo decir por qué el Rey no reconoce a Kent cuando regresa para servirlo. Él no ha cambiado nada acerca de su apariencia, sin embargo, se nos instruye a creer, y así lo haremos. Con algo de esfuerzo.

Esto no va a terminar bien para el anciano rey, pero mientras él ostenta su privilegio de intimidación sobre Goneril y su corte, luchamos por comprender su situación. Algo acerca de esa primera formulación de destierro y despido no se registró de la forma en que debería haberlo hecho. Debemos alinearnos casi instantáneamente con el par descartado, o parece que la reforma realmente no tiene la oportunidad de comprometerse emocionalmente por completo. A Cordelia apenas se le da esa escena inicial para conectarse con nuestro corazón colectivo, sin embargo, de pie allí, con su vestido de graduación extrañamente ajustado, nuestro vínculo con ella cae de bruces a sus pies, cojeando la futura ruina traumática principalmente debido a este primer compromiso separado y desigual.

Algo no está sentado bien, pero sabemos cómo seguirá su curso. Lo vemos desde el principio, y aunque El rey Lear de la mano del director Rampersad no nos ha cautivado del todo ni nos ha hecho comprender el punto de vista del director, el simpático Gross trabaja duro para crear un padre y un Rey orgulloso, argumentativo. , y afilado como una garra. Sabemos, o al menos creemos, que el tortuoso viaje a través de las tierras baldías de alguna manera llenará su cuerpo de barro y magulladuras, pero en algún punto del camino, tenemos el desafío de verlo, a pesar de que nunca se formula completamente con fuerza. Su progresión hacia su perdición se tambalea hacia adelante furtivamente, con el Loco maravillosamente astuto, interpretado con una inteligente intuición por Gordon Patrick White (El discípulo del diablo de Neptune) que dice la verdad a través de su lengua afilada. Es una liberación maravillosamente detallada, pero hubiera favorecido un poco más de afecto físico entre el Rey y su tonto, bueno, de cualquiera para ser honesto, ya que la obra no logra tocar y ser tocada con amabilidad y conexión, incluso cuando se descarrila. contra la tormenta que se aproxima y que en realidad nunca llega a materializarse.

En la primera y única trama secundaria que se encuentra en esta tragedia de Shakespeare, el hijo bastardo Edmund (Blake) también es un niño bastante tortuoso y engañoso. Orquesta una trama bien pensada y estructurada para sembrar la desconfianza entre su padre, el conde de Gloucester (Santiago) y su hijo legítimo, Edgar (Sills). Paralelamente a la traición familiar entre padre e hijo, el engañoso Edmund encuentra una postura oscura y sensual para representar su cruel plan con facilidad y una frialdad que se registra, volando hacia adelante con un júbilo despiadado. Arroja a su medio hermano bajo los pies, lo que obliga al hombre a huir en una confusa ráfaga de acusaciones, solo para encontrarse más tarde conduciendo a su padre ciego a través del mismo páramo de desconfianza y engaño. El enfoque encantador de Blake para el engaño es cautivadoramente atractivo y vende el momento, incluso si inicialmente el enfoque de Sills hacia Edgar no se siente completamente formado. Al menos no en esos primeros momentos. Se profundiza a medida que aumenta la angustia.

Ahora ambos padres se encuentran atrapados en la tormenta de la traición equivocada, pero ambos están allí, vagando por el páramo desprotegidos únicamente por su propia arrogancia, creyendo en mentiras y halagos, incluso cuando va en contra de su buen juicio. El conde de Gloucester también ha sido debidamente agraviado, cortado y espantosamente corneado por el mismo complot y estratagema, pero creemos que entendemos, al menos un poco, por qué su hijo ilegítimo lo odiaría tanto. (Sin embargo, no está tan claro por qué Regan lo haría). El hijo destruido que conduce a su acusador ciego a través del páramo es uno de los momentos más frágiles y claramente íntimos de compasión bondadosa vistos entre el niño y el padre. La imagen eleva el dolor que ha sido forjado por el niño dañado de corazón frío, Edmund. ¿Es esto lo que sucede cuando las madres no están por ningún lado?

Se dice que con Lear lo haces a lo grande o te vas a casa. Pero ofrecer una revisión de la convincente historia sin una respuesta clara al "¿por qué ahora?" La cuestión, tanto en términos de la producción como de la caída caracterizada de este Rey Lear, más allá de algunos trazos evidentemente amplios, se convierte en el problema y obstáculo central. Regresada de su destierro, Cordelia se sienta al lado de la cama del Lear loco encontrado, su triste confusión se registra, pero no completamente. Es doloroso ver la lucha, ya que sabemos lo que significa la incapacidad de reconocer y lo que le espera al pobre y molesto ex rey mientras recuerda con amor tanto a su hija favorita como a su leal Kent. La mirada es aún más atractiva sabiendo cuánto ha perdido por orgullo y furia.

Sin embargo, cuando el Rey regresa con su cuerpo sin vida, sorprendentemente no nos conmovemos. La producción no nos condujo lo suficientemente profundo como para involucrarnos con el pozo oscuro de la tragedia y la sensación de pérdida. El Lear de Gross se asiente hacia la muerte, sin ceremonias, dejándonos preguntándonos adónde ha ido nuestro dolor emocional y nuestra conexión. Es triste que no nos conmueva tanto el Rey Lear de Rampersad, a pesar de que da una idea metafórica a los ciegos y los tontos, especialmente a través de su entrega diligente del texto. Pero en su conjunto, no se sentó pesado ni contundente en mi corazón. No se me llenaron los ojos de lágrimas de dolor cuando el Rey abatido ve la ridiculez que vivía dentro de su ego y la destrucción que ha provocado. Y es una pena, ya que hay algo inteligente en el regreso de Gross al escenario y su interpretación de su Rey Lear dañado y moribundo.

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¡Hola muñequita! es un musical de 1964 con letra y música de Jerry Herman y un libro de Michael Stewart, basado en la farsa de Thornton Wilder de 1938 The Merchant of Yonkers, que Wilder revisó y retituló The Matchmaker en 1955. El musical sigue la historia de Dolly Gallagher Levi, una casamentera de voluntad fuerte, mientras viaja a Yonkers, Nueva York, para encontrar una pareja para el avaro "conocido medio millonario soltero" Horace Vandergelder. El espectáculo, dirigido y coreografiado por Gower Champion y producido por David Merrick, se trasladó a Broadway en 1964 y ganó 10 premios Tony, incluido el de Mejor Musical. Estos premios establecieron un récord que la obra mantuvo durante 37 años. El álbum del espectáculo ¡Hola, Dolly! Una grabación original del elenco fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy en 2002. No se puede negar que Jerry Herman nunca escribió una mala canción y que te irás a casa cantando al menos una, si no varias, de estas canciones maravillosamente melodiosas.

En este rincón del bosque, Stephen Casey es bien conocido por su coreografía de pasos altos y en la producción del Acto II de Hello, Dolly!, no defrauda. Todos en este espectáculo bailan. Los números de baile son muchos y largos. Y el número de The Waiters Gallop en el restaurante Harmonia Gardens es especialmente digno de aplauso. El coro reducido es tan competente en el canto como en el baile. Y el pequeño escenario del Acto II se usa ingeniosamente para dar la apariencia de un espacio mucho más grande. Jenny Eisehower es una Dolly Levi muy animada y simpática, en contraste con el Sr. Vandergelder deliciosamente cascarrabias de Scott Langdon. La estatura escultural de la Sra. Eisenhower juega bien con el Sr. Langdon, que es más bajo. Sabemos que es una mujer que siempre tiene el control. Elyse Langley muestra una interpretación de soprano madura de "Ribbons Down my Back" como Irene Malloy. Lee Slobotkin es bastante entrañable como Barnaby Tucker y Jeremy Konopka es un joven Tommy Tune con sus piernas más largas de lo que puedes creer.

El vestuario de Millie Hiibel fue brillante y juguetón y funcionó en conjunto con el sencillo diseño del escenario de Dirk Durossette. Sin embargo, la partitura está completamente orquestada, desafortunadamente está en la "lata", lo que para mí le quita la emoción que obtienes de un musical en vivo.

Desafortunadamente, no disfruté el espectáculo tanto como lo hubiera hecho si los personajes secundarios no hubieran recibido instrucciones o simplemente no los hubieran animado a asaltar a la audiencia. Cada vez que esto sucedía, me sacaba directamente del programa. En la producción de 1812 de The Play That Goes Wrong, muchos de los actores se quitaban los pantalones y jugaban exageradamente, pero fueron perdonados porque se suponía que eran una compañía de teatro comunitaria terrible.

Y, sin embargo, si te gusta Jerry Herman y mucho baile, disfrutarás de este espectáculo y entenderás por qué ha sido revivido tantas veces.

Los boletos están disponibles en línea en act2.org, llamando a la taquilla del Acto II al 215-654-0200, o en persona en la taquilla en 56 E. Butler Ave., Ambler, PA. La taquilla está abierta de lunes a sábado, de 2 pm a 6 pm Los boletos para estudiantes cuestan $15 y hay descuentos para grupos disponibles.

¡Hola muñequita! Dirigida y coreografiada por Stephen Casey. Desde ahora hasta el 18 de junio de 2023 en Act II Playhouse 56 E. Butler Ave., Ambler, PA 19002

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La producción de The Sound Of Music del John W. Engeman Theatre se inauguró anoche, sábado 20 de mayo. La colaboración final entre Rodgers y Hammerstein estaba destinada a convertirse en el musical más querido del mundo. Con un tesoro de canciones preciadas, que incluyen "Climb Ev'ry Mountain", "My Favourite Things", "Do Re Mi", "Sixteen Going on Seventeen" y el número principal, "The Sound of Music" se ha ganado los corazones. de audiencias a nivel mundial.

El elenco de El sonido de la música

Los hijos de El elenco de Sonrisas y lágrimas

Caitlin Burke

El elenco incluye a Caitlin Burke como Mother Abbess (Gira nacional: The Sound of Music; Regional: Paper Mill Playhouse, McCarter Theatre Center, North Shore Music Theatre, Meadow Brook Theatre, New York City Center)

Mateo Bryan Feld

Matthew Bryan Feld como Max Detweiler (Engeman: Dirty Rotten Scoundrels; Giras nacionales: Vocalosity; Regional: DCPA, Portland Center Stage, West VA Public Theatre, Derby Dinner Playhouse; TV/Películas: "Manifest", "Power", "Fashionista" );

Angel Reda

Ángel Reda y Matthew Bryan Feld

Angel Reda como Elsa Schraeder (Broadway: The Cher Show, War Paint, Chicago; Giras nacionales: Chicago, Sweet Charity; Regional: Oriental Theatre/, Goodman Theatre, Goodspeed, Pasadena Playhouse; TV/Cine: "Ghost", "The Undoing , "Sami", "¿No es romántico?", "Las esposas de Stepford")

Tim Rogan

Tim Rogan como Capitán Von Trapp (Engeman: Thoroughly Modern Millie; Giras nacionales: Camelot, Disney's Beauty and the Beast; Regional: Alliance Theatre, The Muny, Arena Stage, Cape Playhouse; TV/Películas: "Physical", "Blue Bloods" , "Los otros dos", "La azafata")

kayleen seidl

Tim RoganKayleen Seidl

Kayleen Seidl como Maria Rainer (Off-Broadway: Harmony: A New Musical, Fiddler on the Roof; Gira nacional: Guys and Dolls; Regional: Westchester Broadway Theatre, Paper Mill Playhouse, Actors' Playhouse en Miracle Theatre, Heartland Opera Theatre).

Tyler Hechtis

The Sound Of Music está dirigida y coreografiada por Drew Humphrey (Engeman Theatre: Dirty Rotten Scoundrels, Oklahoma, Mary Poppins, A Chorus Line, Singin' in The Rain, Thoroughly Modern Millie, Guys and Dolls, 42nd Street y Gypsy)

Mandy Modic y Drew Humphrey

y coreografiado por Mandy Modic (Engeman Theatre: Dirty Rotten Scoundrels; National Tours: 42nd Street; Regional: The Marriott Theatre, Drury Lane Theatre, Chicago Shakespeare, Paramount Theatre, The Wick, Mill Mountain Theatre).

El director musical Tom Vendafreddo se une a la banda que incluye a Ben Kiley, Joe Boardman, Jill Boardman, Joel Levy, Bob Dalpiaz, Russell Brown y Jim Waddell

Tom Vendafreddo (Director Musical)

Tyler Hecht y Laura Park

harrison drake

Dane Agostinis

kayla kennedy

Polonia

Gina Naomi Baez

cristobal morrissey

finlandés marrón

claire daly

Micaela Maio

Oliver Cirelli

Evelyn Engelman

Sadie Mathers

Cassidy Gill

Paige Mathers

Torneo de Layla

Quinn Oliver Lessing

Quinn Oliver Lessing, Paige Mathers, Liam Polani, Finn Brown, Cassidy Gill, Kayla Kennedy, Laura Park, Layla Turnier, Evelyn Engelmann, Sadie Mathers, Micaela Maio, Claire Daly y Oliver Cirelli

parque laura

cristobal isolano

max desantis

Juan Allred

tiffany furicchia

nicole weitzmann

lauren gobes

amanda cazador pinzón

Kayleen Seidl con Evelyn Engelmann, Sadie Mathers, Layla Turnier, Oliver Cirelli, Paige Mathers, Quinn Oliver Lessing, Laura Park y Kayleen Seidl

Finn Brown, Liam Polani, Micaela Maio, Claire Daly, Kayla Kennedy, Cassidy Gill, Laura Park, Kayleen Seidl y Tim Rogan

Mandy Modic (coreógrafa/directora asociada), Tim Rogan, Kayleen Seidl, Drew Humphrey (directora) y Tom Vendafreddo (director musical)

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